Лучшая музыка отдыха

Биография - Anugama / Ануга́ма

-=V=- — Fri, 08 Feb 2013 10:42:04 GMT

Anugama

Ануга́ма

Скачать: Anugama

Ануга́ма (нем. Anugama) — немецкий музыкант-мультиинструменталист, исполняющий медитативную музыку в стиле нью-эйдж. Родился в Кёльне (Германия). Настоящее имя — Вернер Хаген.

С 8 лет осваивал музыкальные инструменты — флейту, гитару, чуть позднее — барабаны. В юности некоторое время жил в Гамбурге, где и начал экспериментировать с музыкой, после чего в двадцатилетнем возрасте отправился в Индию, где жил в общине Ошо и познакомился с творчеством Дойтера, Карунеша и Гови. Помогал Гови в записи его альбома «Guitar Odyssey». Играет в жанрах нью-эйдж и этно-фьюжн, представляющем собой свободное использование различных традиционных музыкальных инструментов разных народов в различных сочетаниях в одной музыкальной композиции.

В настоящее время живёт на острове Мауи (Гавайи) и сотрудничает со студией Nightingale Records, известной продвижением музыкантов, играющих в стиле нью-эйдж.

... В 19 лет его душой завладели барабаны - Вернер играл на ударных во множестве самодеятельных рок-групп в Гамбурге, где он устроился на работу продавцом в магазине грампластинок и музыкальных инструментов.

Именно там, находясь в окружении множества музыкальных инструментов со всех концов земли, он начал экспериментировать... Хотя он не имел никакого музыкального образования, музыка текла через него с естественной непринужденностью. В то время в Гамбурге работали многие талантливые музыканты (именно здесь в начале 60-х началась карьера Битлз), так что недостатка во влияниях у Вернера не было.

... К двадцати годам Хаген "заражается" восточной философией и мистицизмом и отправляется в длительное путешествие по Азии. В течение пяти лет он посещал различные страны, знакомился с самыми разнообразными религиозными течениями и учителями... Пока наконец не "бросил якорь" в Пуне (Индия), где находилась знаменитая на весь мир духовная община Бхагавана Шри Раджниша (Ошо). Именно там он и получил свое новое имя - Анугама ...
... За эти годы, будучи вдохновляемым многими музыкальными культурами, Анугама превратился в настоящего мультиинструменталиста. Его студия наполнялась самыми различными звуками - от рокота африканских барабанов и мелодий Карибских островов до плавных ритмов Гавайев и мистического духа Индии и Японии.

Так, на пересечении множества культур и музыкальных традиций, Анугама создал свою собственную музыкальную вселенную. Его диски (а их, с учетом сборников Анугама записал за десять лет более 15) редко похожи друг на друга - скорее, наоборот. Трудно поверить, что накаленный барабанный ритм Exotic Dance, эротическую мелодику Tantra и мистическое звучание Shamanic Dream создал один и тот же человек! Возможно, именно благодаря такой универсальности мелодии Анугамы стали неотъемлемой частью большинства школ, тренингов и семинаров, относящихся к течению new age, а его музыка остается крайне популярной у ценителей эзотерического звучания и по сей день.

Теперь, живя на острове Maui (Гавайи), Анугама пишет новую музыку, вдохновляясь чарующей красотой гавайской природы. Его музыка по-прежнему доносит до нас радостную любовь к жизни и глубокий смысл существования мира. К сожалению, новые диски Анугамы не выходили более пяти лет, однако неповторимое звучание его инструментов ценители new age часто могут услышать на дисках его коллег и друзей - Karunesh, Deuter, Sagnit Om, Kamal и других музыкантов студии Nightingale Records. ...

Описание альбомов:

Tantra (Тантра)
Мелодии Анугамы стали неотъемлемой частью большинства школ, тренингов и семинаров, относящихся к течению new age, а его музыка остается крайне популярной у ценителей эзотерического звучания. Гармония и нежность этой музыки смягчают и постепенно растворяют все препятствия, как в области духовного роста, так и в повседневной жизни. Рекомендуется для медитативной трансформации энергии любви и секса.

Like the Ocean (Как океан)
Волны океана совершают свой танец, оставляя следы пены на теплом песке. Безошибочно узнаваемый аромат моря, приносимый нежным ветерком, блики солнечного света на гребнях волн... Целительные мелодии помогут Вам расслабиться и насладиться дыханием и энергией океана. Расслабьтесь и наслаждайтесь этой музыкой.

Envirovment (Окружение/океан)
Издавна плеск морских волн считался одним из самых расслабляющих и целительных звуков. Убаюкивающие ритмы океанских волн уведут прочь все тревоги и беспокойства... Обладая совершенно особой гармонией, эти таинственные звуки способны проникать в самые дальние уголки человеческой души, наполняя её поистине неземным покоем.

Morning Breeze (Утренний бриз)
Удивительные мелодии и ритмы помогут Вам зарядиться энергией на весь день. Оживленные голоса птиц, встречающих рождение нового дня, наполняют Ваше сердце радостью. Шёпот гор и мелодия струй - всё сливается в единую искрящуюся мелодию, захватывающую своей чистотой и свежестью. Эта музыка - словно предчувствие скорого прихода Весны. Мелодия приглашает Вас полюбоваться бесконечными отблесками весеннего солнца, прислушаться к журчанию первых ручейков...

Healing (Исцеление)
Специальные тета-звуки, звуки земли, созданные для глубокой релаксации и наслаждения. Записанные здесь обертоны приводят в движение и удаляют многочисленные "негативные" отложения в тонких телах человека и способствуют решению многих проблем на различных уровнях. В звуках великой целительной симфонии, льющихся словно сверкающая на солнце река, угадывается энергия жизни большой, космической силы, как будто наблюдающей за процессом эволюции на Земле.

Exotic Dance (Экзотический танец)
Танцевальная медитация приглашает Вас в мир ритма, движения, отдыха и наслаждения. В этой музыке чрезвычайно легко и гармонично смешиваются радужные образы природы, вовлекая Вас в мистическое странствие по экзотическим уголкам Земли. Чувственная музыка, полная вибрации и тайны, - мир обновляющих переживаний, композиции, которые будят воспоминания и возбуждают желание.

Jungle of Joy (Джунгли радости)
Этот альбом стал классикой Музыки Нового Тысячелетия. Чрезвычайно яркие мелодии, пропитанные ароматом влажных тропиков. Вас окружают дождливые леса, наполненные голосами экзотических птиц, чайные плантации, ящерицы, деревья корицы, каскады ручьев, пробивающие свой путь между живописных холмов и повсюду разбросанных скал с загадочными формами... Удивительное путешествие в мир джунглей.

Open Sky (Открытое небо)
Анугама способен создавать и возвышенные лирические мелодии, и эфирную музыку необъятности и тишины, которая помогает слушателю обрести внутренний покой и гармонию с внешним миром. Звуки природы, в сочетании с небесными звуками музыки, создают изумительную атмосферу отдыха. Эта музыка увлекает Вас ввысь, в открытое небо. Поэтичные звуковые пространства, полифоническое звучание, восхитительные голоса инструментов и нежные мелодии уводят Вас к облакам..

Shamanic Dream (Шаманский сон)
Альбом Мечта шамана особенно подходит для медитативного транса. Вторая часть - медитативное путешествие по чакрам - центрам энергии человеческого тела.

Инструменты:

классическая гитара
гитара фламенко
флейта (несколько разновидностей)
губная гармоника
барабаны
электросинтезатор

Дискография:

1987 Silent Joy
1987 Morning Breeze
1987 Environment 1 — Ocean/Tambura
1987 Environment 2 — River/Bells
1987 Classic Fantasy
1988 Like the Ocean (zusammen mit Sebastiano als Cherubin)
1988 Floating gently (zusammen mit Sebastiano als Cherubin)
1988 Open Sky
1989 Exotic Dance (zusammen mit Sebastiano)
1989 Spiritual Environment — Healing
1989 Spiritual Environment — Tantra
1989 Shamanic Dream
1991 Just being here (The Best of Anugama)
1991 Classic Fantasy II
1995 Jungle of Joy
2000 Spiritual Environment — Healing (Neuauflage mit Bonustrack)
2000 Celestial Classics (Best of der Classic-CDs)
2001 Shamanic Dream II

Биография - Christopher Franke / Кристофер Франке

-=V=- — Mon, 23 Apr 2012 14:50:50 GMT

Christopher Franke

Кристофер Франке

Скачать: Christopher Franke

Кто такой Christopher Franke? Природа хотела, чтобы я стал художником, но по несчастливой случайности я превратился в музыканта. На самом деле я считаю себя акустическим художником. Я ощущаю себя скульптором, лепящим из звуков так же, как я лепил бы из глины или гипса. Так говорит Christopher Franke, сольный художник, композитор и уважаемый всеми маэстро электронной музыки. Сама жизнь Кристофера представляет собой непередаваемое переплетение звуковых цветов и реальных событий. Он прославился своим участием в творчестве легендарной немецкой группы "Tangerine Dream". Карьера Криса в течение восемнадцати лет была неразрывно связана с этой группой - 27 студийных альбомов, сотни "живых" шоу, десятки саундтреков... "Tangerine Dream" записывал музыку к таким фильмам, как "Колдун", "Рискованное дело" и "Зажигающая взглядом". Несколько лет тому назад Крис покинул группу и начал заниматься сольной карьерой. С 1991 года Крис доказал всем, что он - состоявшийся сольный музыкант. Его послужной список: более 20 фильмов и телевизионных проектов, а также создание компании Sonic Images. Sonic Images распространяет теперь не только его собственные альбомы, но и альбомы других музыкантов, например группы "Shadowfax" и Марка Шрива. В настоящее время Крис следит за работой своего собственного оркестра в Берлине - Берлинского симфонического кинематографического оркестра.
Ранние годы Если жизнь человека можно рассматривать как процесс рисования, то нам понадобится создать целую художественную галерею, чтобы точно представить все цвета и события из жизни Криса. Родившийся в 1953 году в послевоенном Берлине и названный Кристофом Франке, он вырос в семье, в которой все (мать, отец и старшая сестра) играли на классических инструментах. Шесть лет строгого классического обучения показались юному Крису слишком монотонными. Так что будучи тинэйджером, он переключился на игру на барабанах и позднее организовал со школьными приятелями группу "Agitation Free". Вместе они играли рок-н-роллы, которые были, по описанию Криса, "громкими, шумными, безобразными, очень похожими на панк-музыку". Они не хотели иметь ничего общего с творениями ХIХ века. "Agitation Free" прекрасно соответствовала раскованной атмосфере 60-ых - желанию протестовать и ощущению слома устоявшихся представлений. Через некоторое время в доме родителей Криса больше не желали слышать репетиции "Agitation Free". Томас Кесслер, дирижер Берлинской Консерватории, предоставил группе помещение. Крис вспоминает: Он хотел позаботиться о нас, потому что в то время нам было по пятнадцать-шетнадцать. Так он в некотором роде стал нашим наставником. Он рассказывал нам об электронной и авангардистской музыке. Там установили катушечные магнитофоны и микрофоны, а Кесслер показал нам, как с их помощью можно создавать "Musique Concrete"*. Мы пытались использовать все эти вещи при написании нашей экспериментальной рок-музыки. Школьная комната стала местом встреч других юных музыкантов, интересующихся авангардом. Мы все равно не могли репетировать чаще двух раз в неделю. Мы решили, что эта комната со всем оборудованием будет открыта и для других интересных людей. Так что к нам приходили многие музыканты, уже ставшие известными среди берлинских поклонников электронной музыки.

Начало с "Tangerine Dream" Встреча Криса с Эдгаром Фрозе произошла в этой самой комнате. В то время, когда я встретил Эдгара, моя группа "Agitation Free" разваливалась. Он тоже был не у дел в тот момент. "Tangerine Dream" распался из-за того, что только что покинули группу Клаус Шульце и Конрад Шницлер. Эдгар и я очень хорошо понимали друг друга с самого начала. И он, и я были заинтересованы совместной работе, потому что оба хотели отойти от уже написанной музыки. Мы мечтали о создании мелодичных песен и о возмозможности импровизировать. Перед нами отрылись неведомые горизонты - не только в классике или электронной музыке, но и в мелодиях восточных индейцев и африканских племен. Словно наши глаза внезапно обрели способность видеть. Решив играть с Эдгаром, я распрощался со своим образованием. С этого момента, должен сказать, я работал уже как профессиональный музыкант. Мне было около семнадцати, и мои родители были вынуждены подписать мой первый контракт. Эдгар был на девять лет старше меня, что делало некоторые вещи еще интереснее... Они даже не подозревали тогда, какие "интересные вещи" ждут их впереди. Очень скоро Крис нашел в Лондоне свой первый синтезатор и привез его. Это был очень маленький в виде чемоданчика синтезатор EMS. По словам Криса, своим поступком я занес вирус в нашу группу, потому что теперь каждый захотел заиметь подобный синтезатор. Первая наша запись, в которой мы попытались реализовать абстрактное электронное звучание, - "Альфа Центавра". Это был мой первый альбом с "Tangerine Dream". Затем произошла первая встреча Криса с синтезатором Муга. Кто-то купил его у "Роллинг Стоунз" и поставил в своей студии в Берлине. Они никак не могли найти никого, кто мог бы справиться с этой машиной, и потому пригласили меня поработать на ней. Я весьма смутно представлял себе, как он работает. Он был совершенно новым, с кучей проводов и без описания! Было чертовски весело пытаться понять, как же с ним обращаться. Я был вынужден учиться на ошибках и промахах. Я обнаружил, что в нем есть что-то похожее на создатель секвенций, который может повторять ноты по несколько раз. Благодаря таким повторам вы получаете возможность управлять всеми акустическими эффектами. Вы можете создавать звуковые цвета и структуры! Это был удивительный сон!

Вместе с "Tangerine Dream" навстречу мировой славе Первый альбом "Tangerine Dream", созданный с использованием синтезатора Муга, вышел в 1974 году под названием "Федра". Никто не мог предвидеть или поверить в то, что произошло вслед за этим, - говорит Крис. - Когда Вирджин выпустила "Федру", альбом вошел в первую двадцатку за три или четыре недели. Через год мы были награждены золотым диском за этот инструментальный двадцатиминутный альбом без вокала. Все это произошло без какой-либо рекламной компании. Музыкальные авторитеты вроде Джона Пила заявили, что это музыка будущего. Все это обрушилось на нас, словно снежная лавина. Мы и думать не могли о таком бешенном успехе. Это было потрясающе. Мы оказались в нужном месте в нужное время. "Tangerine Dream" продолжил свое новаторское исследование электронной музыки, всегда стараясь использовать последние достижения техники. С середины семидесятых годов группа начала отходить от своей первоначальной идеи разрушения гармонии. Их музыка становилась все более и более мелодичной. Крис говорит: Мы ударились в другую крайность: очень тихие, спокойные мелодии. После всех наших странствий у нас возникла идея создать "музыку ландшафтов". Мы и в самом деле использовали пейзажи для создания настроения, для главной темы: ощущение пустыни, влажного леса после дождя и т. д.. То была настоящая звуковая живопись. Этот период их творчества вдохновил легионы других музыкантов, которые продолжили идти вслед за электронными грезами "Tangerine Dream". Группа создавала для своих слушателей прекрасные звуковые экскурсии, столь непохожие на то, что было сделано прежде другими. После первоначального успеха пришла пора концертных турне и студийных записей. Очень скоро группу обнаружили кинопродюсеры. Первым фильмом стал "Колдун" - этот фильм снимал тот же самый режиссер, что и "Заклинателя". С этого момента "Tangerine Dream" начинает выпускать более трех саундтреков в год. Началась бесконечная работа. Порой в год выходили четыре альбома. Сюда входят саундтреки, студийные и "живые" альбомы. Они стремились полностью использовать пришедший успех. Все это время - 27 студийных альбомов, почти две дюжины концертных турне, бесчисленное количество саундтреков, как выпущенных, так и не выпущенных, - Крис и Эдгар оставались ядром "Tangerine Dream". Группа традиционно состояла из трех человек, дольше всех "третьими" были Питер Бауманн, который покинул группу в 1976, Йоханнес Шмёллинг, ушедший в 1985, и Поль Хаслингер (1991). Все это время на живых концертах "Tangerine Dream" Крис находился в центре. Да, для многих поклонников Крис по-прежнему остается загадкой. Первые годы Эдгар и Питер выпускали сольные альбомы. Но в отличие от своих коллег, Крис никогда не делал ничего подобного во время работы с "Tangerine Dream". Поэтому трудно сказать, в каких местах в альбомах "Tangerine Dream" слышится музыкальный голос Криса.

Уход из "Tangerine Dream" и начало сольной карьеры Затем в конце 1987 все вдруг стихло. Крис покинул группу без объяснения причин. Шли месяцы, но никто не знал, где он. Не сообщив ничего поклонникам, Крис уехал в Испанию, чтобы отдохнуть от долгих лет каторжной работы и восстановиться. Несколько недель отпуска - этого было недостаточно. Для физического восстановления требуется недели три, не больше. Но для психологического - значительно более долгий промежуток времени. Мне была необходима пауза в творчестве, которая длилась бы по крайней мере год. Я запланировал подобный перерыв, поскольку именно такое время нужно для получения официального разрешения на работу в США. В декабре 1990 года Крис наконец-то получает "грин кард". Не теряя времени, музыкант сразу же приступает к работе. В том же месяце он основывает записывающую студию в Лос-Анджелесе в дополнение к уже имеющейся в Германии. В январе 1991 он создает Берлинский симфонический кинематографический оркестр, дирижером которого становится Бринмор Джонс. Крис подыскивает заказы, и вскоре их становится более чем достаточно. В том же январе Франке записывает свой первый сольный альбом "Шоссе вдоль Тихого океана". В Европе компания Вирджин Рекордз выпустила этот альбом в мае 1991 года. В США - позднее, в октябре фирмой Прайвит Мьюзик. Если бы имя Криса не было написано на обложке, никто бы и не поверил, что это его столь давно ожидаемый сольный альбом. У этой записи совсем нет знакомых всем поклонникам "Tangerine Dream" космических быстро изменяющихся ритмических последовательностей. Вместо этого "Шоссе вдоль Тихого океана" содержит мягкие и задумчивые мелодии в современном американском стиле. Крис говорит: Для меня "Шоссе вдоль Тихого океана" - очень теплая и искренняя музыка. Там мягкие, романтические темы, помогающие расслабиться и забыться, - такое настроение часто овладевало мною в Испании. Именно эту музыку я хотел написать. И я полностью удовлетворен своим альбомом. Хотя столь резкий переход был более чем неожиданным для всех, поклонники охотно приняли новый стиль.

Сегодняшняя жизнь художника и его проекты В настоящее время Крис с удовольствием сочиняет музыку в своей новой студии, расположенной на холмах, с которых открывается вид на Лос-Анджелес. Несомненно, в США этот город является центром музыкальной и киноиндустрии. Это дает Крису определенное преимущество - он имел бы значительно меньше возможностей, если бы поселился в ином месте. В 1992 году он получил заказ на оркестровые саундтреки к фильму "Универсальный солдат", успех которого принес Крису много новых контрактов и уважение продюсеров. Музыкант работает и на телевидении - он участвовал или участвует в создании многих проектов, включая сериал "Ворон" (1993 год), телефильм по Стивену Кингу "The Tommyknockers" (который был показан по АйБиСи 9 и 10 мая 1993 года), несколько первых эпизодов сериала "Магия кино" (по каналу Дискавери - сериал рассказывает о создании спецэффектов к некоторым голливудским фильмам), "Болтливая принцесса" (ноябрь 1993, СиБиЭс), "Падение ангелов" (шестисерийный мини-сериал, показанный по СиБиЭс в августе-сентябре 1993), сериал "Странник" (с участием Чака Норриса, показ которого продолжается), и - среди множества других проектов, которых слишком много, чтобы можно было рассказать обо всех, - награжденный Эмми научно-фантастический сериал "Вавилон 5".

Сольные альбомы Франке С точки зрения альбомов, их достаточно, чтобы сделать поклонников Франке очень счастливыми и чрезвычайно занятыми. Музыкальные стили его сольных альбомов изменяются от одного к другому. Первая самостоятельная работа - альбом "Шоссе вдоль Тихого океана" - оказался ближе к тем, кого привлекает рефлексия, самоанализ. Следующий альбом - "Новая музыка к фильмам, ч. 1" - представляет собой коллекцию прежних саундтреков Криса. Музыка была взята из фильмов "МакБейн", "Око бури" и "Она проснулась". Это в некотором роде оркестровый альбом. "Универсальный солдат" адресован тем, кто любит звучание оркестра. Самые старые поклонники "Tangerine Dream", скорбящие об отказе Криса от классического стиля, приветствовали выход "Лондонского концерта". Музыка этого альбома была взята из первого и единственного "живого" сольного концерта в октябре 1991 года. Еще более "электронная" и энергичная музыка слышна в CD "Клемания" - диск был создан в честь голландской организации поклонников прогрессивной электронной музыки KLEM. "Ворон" - саундтреки к уже упомянутому выше телевизионному сериалу. Они представляют собой смесь рока, вокала и различной электронной музыки. CD распространялся только в Европе, где пользовался довольно большим успехом повторный показ сериала. "Чарующая природа" - ремикс "Шоссе вдоль Тихого океана" с удивительными природными звуками, вплетенными в музыку. Затем - давно объявленный выпуск великолепных саундтреков к получившему Эмми научно-фантастическому сериалу "Вавилон 5". 1997 год ознаменован выпуском альбома "Селестинское предсказание: Музыкальный вояж", написанного к бестселлеру Джеймса Редфилда "Селестинское предсказание", и альбома "Перри Роден: Пакс Терра". В настоящее время Кристофер сочиняет музыку к популярнейшему еженедельному научно-фантастическому сериалу "Вавилон 5", который является собственностью Warner Brothers, и выпустил два саундтрека: "Вавилон 5" and "Вавилон 5: Вести с Земли".

Sonic Images В дополнение к написанию своей собственной музыки, Крис создал звукозаписывающую фирму. Sonic Images - это действительно независимый лейбл с конца 1994 года. Студия выпускает альбомы различных музыкантов, среди которых - английский инструменталист Марк Шрив и широко известная группа "Shadowfax". Sonic Images становится новаторской студией, которая будет пользоваться популярностью еще долгие годы. Учитывая талант Криса Франке, в этом нет ничего удивительного.

Представления музыканта о будущем Когда его спрашивают, "Каким бы ты хотел стать лет через десять?", Крис улыбается. Этот художник не потеряется в мечтах о материальном - поразительной машине или шикарном особняке... "и всем остальном". Вместо этого Крис обрисовывает очертания будущего, которое ближе его сердцу. Мне хочется обрести ощущение равновесия. Я хочу стать мудрее и естественнее, но при этом сохранить ощущение чуда, не разучиться удивляться миру, как удивляется ему ребенок. Мне хотелось бы знать обо все, но уберечь непосредственность восприятия. Стать мудрее, но не утратить ощущения чуда, и приблизиться к пониманию смысла жизни... да, вот каким я хотел бы стать через десять лет. Это ощущение чуда и поиски смысла часто окрашивают в различные цвета жизни самых творческих людей. Таким образом, образно говоря, Крис - настоящий художник, маэстро живописи,... как показывают цвета и оттенки, создающие неповторимый орнамент его собственной жизни. Вот уже долгие годы многих людей со всего света вдохновляла жизнь художника и его творения. Так и будет. Много лет пройдет, прежде чем будет положен последний мазок на полотно жизни Кристофера Франке, акустического художника и скульптора-музыканта. * - Под термином Musique Concrete подразумевается музыка, состоящая из различных звуков природного или технического происхождения (шум дождя, звук грома, шум двигателя, скрип двери и т. п.). Допускается различная обработка исходных звуков - изменение амплитуды, частоты, даже обратное воспроизведение. Естественно, такая музыка не может быть исполнена иным образом, кроме как путем нажатия клавиши "Start" на магнитофоне, что делает ее концертное исполнение весьма и весьма проблематичным. Термин этот французского происхождения, т. к. первая студия, которая создавала подобную музыку, размещалась в Париже. Это самое старое направление электронной музыки. История Musique Concrete началась в 1948 году (хотя есть отсылки и на более ранние периоды - 1914). (Прим. перев.) Автор: Elana Перевод: Антон Волков и Екатерина Воронина

Биография - David Lanz / Дэвид Ланц

-=V=- — Thu, 19 Apr 2012 10:39:02 GMT

David Lanz

Дэвид Ланц

Скачать: David Lanz

Родом Дэвид из Сиэтла, что на северо-западе США. Его карьера началась еще в далеких 70-х, когда никому еще не известный музыкант солировал на пианино в местных клубных командах, мастерски играя джаз и блюзы. И кто тогда знал, что ему был уготован совсем иной путь в музыке..

Время больших перемен в судьбе композитора пришло в начале 80-х. “Одному моему другу, проводившему семинар по чакрам и работе с телом, требовалась музыка, иллюстрирующая течение энергии через чакры, — вспоминал впоследствии Дэвид, — я сделал запись музыки для семинара, и каждый, кто ее слышал, хотел иметь копию”. С этой небольшой ленты и началось восхождение Ланца на музыкальный Олимп. “Тогда не было ни одного музыкального стиля, близко походящего на мой, — продолжал композитор, — и это определенно не называлось ньюэйджем. Я использовал часть музыки к семинару на моем первом сольном альбоме “Heartsounds” (“Звуки сердца”). Этот диск вышел на фирме "Narada" в 1983 году. Затем последовали многие альбомы, тепло встреченные критиками и хорошо раскупавшиеся слушателями. Настоящий триумф наступил в 1988 году, когда альбом Ланца “Cristofori’s Dream” (так звали малоизвестного изобретателя пианино из Амстердама, вдохновившего Дэвида написать эту музыку) взлетел на верхушку ньюэйджевского хит-парада “Биллборда” и уже не покидал ее целых 27 недель! Потом композитор еще очень долго сотрудничал с компанией Narada, выпуская альбомы с красивейшей музыкой, среди которых автобиографический “Return to the Heart” (“Возвращение к сердцу”) и отдающий дань “британскому вторжению” 60-х — проект “Songs From An English Garden” (“Песни с английского сада”).

Музыка Дэвида Ланца невероятна романтична. Она очень светла, легка и при этом глубока (я бы даже сказал напоена мудростью). И это, конечно, связано с духовным поиском Дэвида Ланца. Теософское Общество, Рудольф Штейнер — вот некоторые из его увлечений. Кстати, в молодости Дэвид не только был большим фэном Кейта Жарретта (Keith Jarrett) и Била Эванса (Bill Evans), но и увлекался музыкой экспериментатора-электронщика Стивена Хальперна (Steven Halpern). Дэвид слушал его музыку, когда занимался йогой. “Я любил атмосферу музыки Хальперна, но она не цепляла, в ней не было ни мелодии, ни структуры. Я начинал свою карьеру, воспринимая этот жанр. И, хотя я мог бы создать такую же атмосферу, я пытался сделать это, сочиняя “реальные” произведения: со вступлением, кульминацией, серединой и кодой.” И музыка Ланца имеет вполне традиционную структуру.

Интересно, что удивительный случай, предопределивший судьбу Дэвида, произошел с ним, когда ему было всего 4 года. “Я лежал в траве и видел Иисуса в облаках. Подобные сверхъестественные события происходили в течение всей моей жизни, они направляли меня, чтобы я мог оставаться в соприкосновении с той астральной или нематериальной областью. Некоторые из них перенесены в музыку, которую я исполняю, и другие люди тоже могут проникнуться этим.”

Сам Дэвид имеет превосходное чувство юмора и даже с самоиронией называет себя забавным именем SNAG, что расшифровывается как “Чувствительный Ньюэйджевский Парень” (Sensitive New Age Guy). Недавно он начал сотрудничать со знаменитой компанией "Decca", на которой и вышел его последний на сегодняшний день альбом “East of the Moon” (“К востоку от Луны”).

Цели Дэвида Ланца, которые он хочет достичь в своем творчестве, просты и понятны. “Вы можете посмотреть и увидеть, что я никогда не написал ни одного произведения, содержащее в названии слово “любовь”. Я сознательно избегаю писать любовные песни. Я вижу мою музыку больше как музыку для исцеления. Это то, что для меня на первом месте. Я полагал, это был путь к позитивному изменению в людях. Я использую термин “исцеление” в широком смысле, не только по отношению к физическим заболеваниям. Мы все душевно больны. Сегодня мы — существа, “разорванные” по многим различным направлениям сразу. Я нахожу, что музыка — это средство для успокоения нашей тоски по единению, “пути домой”… Люди должны создать мир внутри самих себя, перед тем как они бросятся его спасать.”

Говоря о творчестве Дэвида Ланца, нельзя не упомянуть его долгое и очень плодотворное сотрудничество с гитаристом Полем Спиром (Paul Speer), а также участие в создании музыки к оригинальным видео проектам “Desert Vision” (“Виды пустыни”) и “Natural States” (“Природные явления”), выпущенным компанией Miramar.

Дэвид Ланц ведет преподавательскую деятельность, активно гастролирует. Недавно, приехав домой, и будучи в кратковременном отдыхе между концертами, музыкант согласился дать нам интервью, которое мы и предлагаем Вашему вниманию:

— Когда слушаешь Вашу музыку, возникает впечатление, что она написана в состоянии большой любви. Благодаря этому Ваша музыка, которая не кажется слишком сложной, очень глубока и оказывает сильное эмоциональное воздействие на слушателя. Что Вас вдохновляет на ее создание?

— Мне нравится ваше выражение — “Большая Любовь”. Я пишу музыку около сорока лет, большую часть моей жизни. Я столько времени провел в мире своего воображения, что могу “идти глубоко”, как вы говорите, и черпать вдохновение в переживаниях моей жизни, в мифологии и в моей собственной духовной природе. Я желаю только высшего добра слушателю создаваемой мною музыки.

— Каковы Ваши творческие “корни”? Кто и почему больше всего повлиял на Ваше творчество?

— Я могу поблагодарить очень многих создателей музыки за вдохновение и влияние. Первой на меня повлияла моя мать. Она приводила меня в восторг своим исполнением буги-вуги на фортепиано, это одно из моих первых музыкальных воспоминаний. Я рос, слушая Рэя Чарльза, Нэта Кинга Коула, Фрэнка Синатру и другую популярную музыку сороковых и пятидесятых. Это была музыка, которую любили и играли мои родители, когда я был ребенком. В 60-е было много инструментальной поп и рок-музыки, например “Telstar”, “Pipeline”, “Theme from a Summer Place”, “Exodus”,“Theme from Route 66”, такая музыка Генри Манчини, как “Peter Gunn”, “The Pink Panther” (“Розовая Пантера”), и “The Theme from Romeo and Juliet” (“Тема из Ромео и Джульетты”), и меня рано захватили популярные темы инструментальной музыки.

“Битлз” очень повлияли на меня в свое время, как и вообще британская поп-музыка 60-70-х. Мои уроки игры на фортепиано никогда глубоко не касались классики, и в 12 лет я их прекратил, и стал учиться писать и играть рок-н-ролл и изучать как можно больше музыкальных стилей. Это продолжалось несколько десятилетий. Я открыл для себя джаз и классическую музыку как слушатель, будучи подростком. Я испытал много разнообразных влияний. В конце 60-х и в 70-е я также любил слушать классическую индийскую музыку, фанк, соул, и даже немного кантри в стиле Флойда Крамера (Floyd Cramer). Музыка группы “Procol Harum” тоже чрезвычайно повлияла в юности на мой подход к сочинительству... Я думаю, что не стоит перечислять огромное количество классических композиторов и джазовых пианистов, так что давайте перейдем к следующему вопросу.

— Хорошо. Нам будет очень интересно узнать, каково Ваше впечатление от творчества музыкантов "Windham Hill Records"? Повлияло ли оно на Ваш творческий поиск?

— Есть параллели между музыкой "Windham Hill" и той, что делаю я. Меня вдохновил тот факт, что музыку Джорджа Уинстона так хорошо приняли. До тех пор я никогда не думал, что соло на фортепиано может быть таким популярным. Эта студия выпустила очень много чудесной музыки.

— Ваша музыка напоминает музыку Сьюзан Чани (Suzanne Ciani). Ваши музыкальные стили довольно близки. Интересно, знаете ли Вы музыку Сьюзан Чани, и каково Ваше отношение к ее творчеству?

— Я слышал многое из ранних работ Сьюзан. Ее стиль похож на мой, так как она использует в своей музыке мелодичные и простые формы.

— Каковы Ваши впечатления от группы “The Wave”, выступающей вместе со Сьюзан Чани и включающей некоторых известных исполнителей Windham Hill, и музыкантов, в ней участвующих?

— Я знаю о группе, о которой вы спрашиваете, но, к своему стыду, никогда их не слышал. Хотя со Сьюзан я знаком, и однажды у нас было короткое совместное турне.

— Где и как Вы обычно находите идеи для своих альбомов?

— Идеи и темы моих альбомов приходят из природы, из чтения мифологической и духовной литературы, из жизненного опыта и из использования силы воображения! Я позволяю темам альбомов развиваться со временем. Это действительно органическое явление.

— Какие музыкальные инструменты Вы используете в своей работе в настоящее время?

— Сочиняя, я использую большое акустическое фортепиано, но также люблю играть на барабанах — для удовольствия и практики!

— Нам хочется узнать о Вашей работе над альбомом “East of the Moon” (“К Востоку От Луны”). Как возникла идея его создания? Почему Вы решили реализовать этот проект сейчас, перед началом нового тысячелетия? Какие идеи вдохновили Вас записать сюиту “World In Peace” (“Миру-Мир”)? Расскажите, пожалуйста, немного о ее создании.

— Что касается технической стороны, пожалуйста, посмотрите “Making of East of the Moon” на моем сайте www.davidlanz.com. Там вы найдете много информации о записи этого диска. Оригинальным заголовком и темой диска было “A Time for Peace” (“Время мира”). Я работал над этой концепцией год или около того, и со временем название изменилось на “One World” (“Единый Мир”) и затем на окончательное — “East of the Moon”. Джон Теш (John Tesh) выпустил диск под названием “One World”, и мне пришлось пересмотреть свой подход и тему.

Музыка “World At Peace” — это концепция, для реализации которой я ожидал начала нового тысячелетия. Это казалось подходящим временем, временем для мира. Это мое музыкальное видение мира и часть моей персональной мифологии. Остальные мои новые альбомы посвящены древним мифологическим темам. Интерес к “Зеленому Человеку” (из кельтской мифологии — прим.авт.) привел меня к книге с тем же заглавием, которая и дала название “East of the Moon”. Его цитировал “Зеленый Человек” в древней истории, приведенной в этой книге.

— Не могли бы Вы рассказать о тех из Ваших альбомов, которые Вы считаете самыми важными и интересными в Вашем творчестве? Как они были созданы?

— Для меня важна вся моя работа. Когда я впервые начал записываться, мне приходилось ограничиваться фортепианным соло. Со временем я привлек в свою студию больше музыкантов, мой бюджет вырос, и я смог себе позволить тратить деньги на настоящих музыкантов … например, использовать живые струнные вместо синтезаторов. У синтезаторов есть свое место в музыке… но обычно не в моих композициях.

— Что для Вас важно выразить своей музыкой?

— Каждая песня говорит мне, что ей нужно, чтобы явиться к жизни. Я верю в душу песни. А душе нужна свобода говорить. Вот это и нужно выразить.

— Насколько мы знаем, Вы один из пионеров создания музыкальных видеопрограмм с видами природы. Расскажите, пожалуйста, о создании Ваших видеопрограмм и сотрудничестве с компанией "Miramar". Как мы знаем, к настоящему времени Вы создали три видеопрограммы (“Through The Hands of David Lanz” (“Через руки Дэвида Ланца”), “Desert Vision” (“Виды пустыни”) и “Natural States” (“Природные явления”). Какая из них — Ваша любимая? Планируете ли Вы продолжать работу над подобными музыкальным видео-проектами?

— Я с удовольствием работал над “Natural States” и “Desert Vision”. Они делались в сотрудничестве с режиссером Йэном Никманом (Jan Nickman) и моим продюсером Полом Спиром (Paul Speer). Компанию Miramar мы создали, чтобы делать такое видео. Сейчас ситуация изменилась, и мы больше не владельцы Miramar. Эти работы были нашей реакцией на новую (для того времени) видео-революцию MTV (середина 1980-х). Мы использовали природу, и наши сюжеты, похоже, прекрасно сочетались с нашей музыкой. Это была музыка того времени, и у нас нет планов делать это снова. Йэн Никман теперь работает главным образом с компьютерной графикой.

“Through The Hands Of David Lanz” — это методическое видео, предназначенное для тех многочисленных учеников и учителей игры на фортепиано, которые исполняют мою музыку. Нотные тетради с моей музыкой очень популярны в Америке, и я хотел поделиться своим подходом, своим стилем игры и немного — своей философией музыки.

— Нам было бы очень интересно узнать о Вашем сотрудничестве с музыкальными компаниями, выпускающими Ваши альбомы. Почему Вы сотрудничаете именно с этими компаниями?

— Моя музыка очень широко известна здесь, в Америке. До недавнего времени моим лейблом был "Narada". Теперь я сотрудничаю с компанией "Decca Records" и надеюсь, что это поможет распространить мою музыку в мире. Эта компания гораздо крупнее, и ее дистрибьютеры работают в почти во всем мире.

— Не могли бы Вы рассказать о Вашем сотрудничестве с Полом Спиром?

— Наши взаимоотношения были очень плодотворными, мы работали над десятком или около того музыкальных проектов. Мы разработали очень популярный стиль. Пол был очень хорош в студии и умел дополнять мое фортепиано своей гитарой. Как любые взаимоотношения, это способствовало дальнейшему развитию для нас обоих.

— Планируете ли Вы другие совместные проекты с Полом?

— В настоящее время нет.

— Не могли бы Вы рассказать немного о Вашем сотрудничестве с Дэвидом Аркенстоуном (David Arkenstone)? Что Вы думаете о его творчестве? Планируете ли Вы с ним новые совместные проекты?

— Аркенстоун — это великий Музыкант, и я уверен, что его лучшие работы еще впереди. Мы сотрудничали с одной и той же компанией, и нас свели вместе из коммерческих соображений. Я бы хотел еще с ним поработать, но в настоящее время таких планов у меня нет.

— Кого из музыкантов можно назвать Вашими друзьями? Кто помогает Вам в Вашей творческой работе?

— Я могу назвать своими друзьями всех музыкантов, с которыми работал. Я открыт для сотрудничества со всеми хорошими исполнителями. Моя творческая работа в руках “Великой Музы”, которая присутствует во всех хороших музыкантах и студийных техниках. Я открыт для свободного обмена идеями в студии.

— Как насчет турне? Даете ли Вы концерты?

— Сейчас у меня турне, посвященное моему последнему диску “East Of The Moon”. Оно длится весь этот год с перерывами, отрывая меня от семьи, от работы над другими проектами и от сочинения музыки.

— Когда и как возникла идея создания Вашего личного сайта? Какие идеи были использованы при его создании? Кто помог Вам в реализации этого проекта?

— Мои менеджеры посоветовали мне заняться своим сайтом, и теперь его поддерживает мой племянник Аарон Коллинз (Aaron Collins), замечательный молодой веб-дизайнер. Сайт содержит в основном информацию о моей музыке, концертах и других музыкальных проектах, в которых я участвую.

— Какие религиозные и философские взгляды Вам близки? Каков Ваш духовный поиск? Занимаетесь ли Вы какими-либо духовными практиками? Принимали ли Вы или принимаете теперь участие в каких-либо духовных курсах или встречах?

— Многие годы я сознаю свою духовную природу. Я изучал различные философские системы, восточные и западные. Я ежедневно медитирую, но не следую никакой религии. Я верю, что Бог есть во всех вещах, всех людях и всех явлениях. Музыка несомненно божественна!

— Как Ваша музыка соотносится с Вашим духовным поиском?

— Музыка — отражение души… она может быть хорошей, плохой или индифферентной. Музыка для меня очень духовна. Я не вижу какого-либо предпочтения в моей работе.

— Каковы Ваши творческие планы? Над чем Вы сейчас работаете? Когда мы сможем услышать Ваш новый альбом?

— Я все время сочиняю новую музыку. Но новый альбом как таковой еще не планируется. Возможно, через год я смогу говорить о новом проекте.

— Любите ли Вы путешествовать? В каких странах и местах Вам больше всего нравится бывать?

— Я бывал в Испании … люблю Испанию … а также некоторые другие части Европы, Корею и Японию. Я люблю всех людей, и путешествия помогают расширить мое представление о мире. И, конечно, я когда-нибудь с удовольствием отправлюсь в ваши края!

— Где Вы сейчас живете? Нравится ли Вам это место? Какая у вас семья?

— Я живу в Сиэттле (Seattle), штат Вашингтон, в северо-западной части Америки. Тут очень красиво. Много гор, рек, озер, рядом Тихий Океан. Это очень вдохновляет меня сочинять музыку! Моя жена — консультант по духовным вопросам, а сын-подросток играет на барабанах в рок-группе.

— Что Вас интересует в жизни? Каковы Ваши долгосрочные цели?

— Моя цель в жизни — продолжать распространять мою музыку, чтобы она охватила как можно больше людей нашей планеты. Мое послание — послание мира и единства. Мирный мир — вот что меня более всего заботит в жизни. Начиная с моей семьи и заканчивая моей музыкальной работой.

— Что такое, на Ваш взгляд, музыка ньюэйдж? Как бы Вы ее определили? Какие перспективы и тенденции Вы видите в музыке ньюэйдж, и вообще в музыке в 21-м веке?

— “New age” — это на самом деле не музыкальный термин, так что определить трудно. Я уверен, что моя музыка говорит сама за себя. Она полна надежды на будущее. Я надеюсь, что музыка и дальше будет способствовать тому, чтобы люди раскрывали свой высочайший потенциал. О большем нельзя и просить!

Авторы статьи: Андрей КОРОТКЕВИЧ Александр ПЕТРОВ Сергей КОЗЛОВСКИЙ

Официальный сайт: David Lanz Website

Биография - Sarah McLachlan / Сара Маклохлан

-=V=- — Wed, 04 Apr 2012 07:27:10 GMT

Sarah McLachlan

Сара Маклохлан

Скачать: Sarah McLachlan

Сара Маклохлан (англ. - Sarah Ann McLachlan родилась 28 января 1968 г.) - канадская певица, автор песен, мульти-инструменталист и продюсер. Обладательница трёх премий Грэмми. Общемировой тираж её альбомов составляет около 40 миллионов копий.

Сара Маклохлан родилась 28 января 1968 года в канадском городе Галифаксе. Родители с детства поощряли занятия дочери музыкой и, кроме основной школьной программы, девочка брала уроки вокала, обучалась игре на пианино и гитаре. «В юности музыка спасла меня, - вспоминала она позднее. - Это было единственное, что мне действительно удавалось. Я была очень неуверенной в себе, у меня почти не было друзей. Музыка давала мне то, чего мне так не хватало - веру в себя». На каком житейском поприще реализовать себя, Sarah решила не сразу. В течение года Сара осваивала профессию художника-дизайнера в Nova Scotia School of Design, а параллельно пела в рок-группе October Game. Любовь к музыке оказалась сильнее. Хотя сначала Сара Маклахлан категорически отказалась сотрудничать с лейблом Nettwerk Records, который предложил ей сольный контракт, и планировала продолжить учебу, через год она передумала. В конце 1987 года Сара отправилась в Ванкувер, где получила возможность подготовить сольный дебют.

«Когда я приехала в Ванкувер, мне было 19 лет, я думала, что пробуду там шесть месяцев, пока продлится запись. Но я влюбилась в этот город, - рассказала Маклахлан в одном из интервью. - Меня окружала природа во всем своем великолепии: прекрасные зубчатые горы, океан в двух шагах… Здесь часто идут дожди, и зимой можно впасть в депрессию. Но зато необыкновенно красиво. С тех пор я так и живу в Ванкувере».

Дебютная пластинка «Touch» появилась в 1988 году, стала золотой в Канаде и представила Сару Маклахлан как весьма перспективную артистку. Все особенности ее композиторского и исполнительского стиля были уже налицо: воздушные мелодии, мечтательный голос, эмоциональные аранжировки, которые тонко передают изящный и волнующий характер ее музыки, причем музыки очень женской. Напоминая одновременно Питера Гэбриэла (Peter Gabriel) и Кейт Буш (Kate Bush) эпохи 80-х, она продемонстрировала удивительно широкий стилистический диапазон.

Заключив контракт с американской рекординговой компанией Arista, певица получила выход на мировой музыкальный рынок. В 1989 году «Touch» был опубликован в США и Европе и начал мало-помалу завоевывать симпатии поклонников альтернативного поп-рока.

Через два года артистка записала второй альбом «Solace», гораздо более впечатляющую коллекцию песен, которая положила начало превращению Сары Маклахлан в культовую фигуру, окруженную преданнейшими поклонниками. Пресса особенно отмечала ее искреннее исполнение, интригующие слова и светлые, легкие мелодии. Как и ее дебютный диск, «Solace» засветился в Billboard 200, а после 14-месячного концертного марафона меломаны с нетерпением ожидали продолжения. Вместо вполне заслуженной паузы в работе, в сентябре 1992 года Сара с канадской съемочной группой отправилась в Камбоджу и Таиланд, где участвовала в съемках документального фильма «World Vision» о нищете и обездоленном детстве в этих странах. Впечатления от увиденного, мучительные и порой просто страшные, она попыталась выразить в своих новых песнях, над которыми работала в специально арендованном доме в окрестностях Монреаля. Студийные сессии под присмотром ее постоянного соавтора и продюсера Пьерра Маршанда (Pierre Marchand) продлились шесть месяцев.

В конце 1993 года был готов третий альбом «Fumbling Toward Ecstasy», самый сильный и исповедальный в ее творческой биографии. Это была большая удача артистки во всех отношениях. Уверенная как никогда раньше в своих силах, Сара становится смелее как в текстах, так и в аранжировках, экспериментирует с новыми инструментами, нащупывает новую звуковую фактуру. Диск «Fumbling Toward Ecstasy» добрался до 50 строки рейтинга Billboard 200 и пользовался настолько устойчивым спросом, что не покидал чарт 62 недели подряд, благополучно закрепив свою популярность платиновым сертификатом. А сегодня его тираж в Америке уже превысил пять миллионов копий. Оба промо-сингла, «Possession» и «Good Enough», получили хорошую раскрутку в эфире рок-радио и отметились в Тор 20 американского рок-чарта.
В 1995 году певица опубликовала лонг-плей «The Freedom Sessions», составленный из альтернативных версий тех треков, которые попали на «Fumbling Toward Ecstasy». А еще через год в Канаде появилась подборка ее неизданных записей и би-сайдов «Rarities, B-Sides and Other Stuff».

1997-й год стал самым успешным в ее десятилетней карьере. Певица подготовила самый известный и хитовый из своих альбомов «Surfacing». В строгом смысле слова, этот альбом был далеко не самой сильной работой артистки, во всяком случае, ничего принципиально нового по сравнению со своим предшественником он не показал. Но ее растущая известность приносила свои плоды. Заинтригованные промо-синглами «Sweet Surrender» и особенно «Building а Mystery» (#13 в Billboard Hot 100), меломаны с энтузиазмом встретили новый релиз Сары Маклахлан. Достаточно сказать, что в Канаде альбом возглавил рейтинг продаж, а в США стартовал в поп-чартах сразу на второй строке. Изданный в разгар промо-тура третий сингл «Adia» стал долгожителем радиоэфира и в августе 1998 года финишировал в первой тройке американских хитов. По итогам 1997 года Сара Маклахлан удостоилась сразу двух высших музыкальных наград Grammy. Она была названа лучшей поп-вокалисткой (за песню «Building а Mystery»), а трек «Last Dance» - лучшей инструментальной поп-композицией.

Кроме сольных альбомов, Маклахлан довольно часто записывала материал для родственных по духу проектов. И делала это с блеском. Композиция «I Will Remember You» для фильма «Brothers McMullen» принесла ей еще одну премию Grammy как лучшей поп-вокалистке.

В 1998 году канадская артистка стала одним из инициаторов и организаторов тура Lilith Fair, собравшем многих видных женщин-композиторов и исполнительниц. Этот передвижной женский фестиваль с огромным успехом отыграл 40 с лишним концертов в США и Канаде. По материалам тура был подготовлен двойной альбом «Lilith Fair».

А по итогам своих собственных сольных концертов певица подготовила живой диск «Mirrorball», опубликованный в 1999 году. Для концертного альбома он получил необыкновенный отклик: Тор 3 американского поп-чарта, #2 в хит-параде Канады и 1 место в интернет-рейтинге альбомов. Впрочем, в этом не было ничего удивительного: как минимум половина из 14 представленных песен к этому времени уже стали раскрученными радиохитами.

В том же году из-под пера Сары вышло еще одно произведение, на этот раз совершенно другого жанра - книга кулинарных рецептов «Plenty» («Изобилие»). Это был не просто сборник с описанием разных вкусностей, а своего рода инструкция по выживанию в условиях сурового гастрольного быта. Основным соавтором артистки была кулинарная мастерица Джейми Лаурита (Jaime Laurita), которая готовила для Маклахлан во время тура Lilith Fair, а в прошлом обслуживала Rolling Stones, Пласидо Доминго (Placido Domingo), Barenaked Ladies и других знаменитостей.

Разумеется, в Канаде певица давно завоевала статус суперзвезды. Могло ли быть иначе после ее триумфа на церемонии вручения Juno Awards 1998, канадского аналога Grammy, Сара Маклахлан победила сразу в четырех номинациях: «песня года» («Building a Mystery»), «альбом года» («Surfacing»), «певица года», «лучшая актриса» (за видео «Building a Mystery»). Огромное количество поклонников появилось у нее в последние годы в США, из крупнейших музыкальных рынков не покорилась ей разве что Великобритания. Положение круто изменилось в 2000 году, когда певица записала вместе с электронным дуэтом Delerium однозначный хит «Silence».

В 2001 году в Канаде вышел альбом «Sarah McLachlan Remixed», включавший девять ремиксов на ее песни, подготовленные Уильямом Орбитом (William Orbit), BT, Hybrid, Dusted (он же Rollo из Faithless) и DJ Tiesto.

Вынужденная пауза в студийной и концертной работе объяснилась в апреле 2002 года, когда Сара Маклахлан стала матерью. Вместе с мужем, барабанщиком Эшем Судом, они решили назвать дочку Индией (India). Спустя несколько месяцев после рождения ребенка, Сара похоронила свою мать, которая умерла от рака. Эти разнородные переживания переплавились в материале нового альбома «Afterglow», который вышел в ноябре 2003 года. Маклахлан как будто совсем не изменилась, сохранив верность своему фирменному саунду и оставаясь одной из знаковых фигур альтернативного поп-рока. Как и 15 лет назад, она пишет весь материал, записывает партии рояля, акустической и электрической гитары. Музыка настроения, мечтательные мелодии, неброские аранжировки, тексты о глубоких человеческих переживаниях - все это выполнено в лучших традициях «Fumbling Towards Ecstasy» или «Surfacing». Постоянные поклонники певицы тепло приняли альбом «Afterglow». Он стартовал на второй строке американского поп-чарта и под номером один в канадском рейтинге продаж. Любимая песня Маклахлан «Fallen», изданная в качестве промо-сингла, отметилась во многих рейтингах США, финишировав в первой тройке танцевальных хитов.

Больше четырех лет артистка не ездила в туры, но за это время ее не только не забыли, но, наоборот, стали ждать с еще большим нетерпением. Когда в январе 2004 года были объявлены даты ее летнего турне (43 концерта в Соединенных Штатах и Канаде), ряды поклонников всколыхнулись. За полгода до начала гастролей, в первый же день продаж, разошлось 8 тысяч билетов. Соскучились по ней и коллеги по сцене. Многие исполнители, даже очень молодые и очень воинственные, называют ее в числе своих кумиров. Среди ее поклонников оказался и Дэрид МакДэниэлс (Darryl McDaniels), рэппер из Run-DMC, ошарашивший меломанов дуэтом с Сарой Маклахлан, который он включил в свой новый альбом. «Сара - моя любимая артистка всех времен, - объясняет МакДэниэлс свой выбор. - Ее музыка меняет людей. Я позвонил ей, предложил ей записаться, и она согласилась. Многие в шоу-бизнесе соглашаются на словах, а потом никогда не перезванивают. Она сама мне перезвонила и мы сделали запись. Она супер!».

Биография - David Wright

-=V=- — Tue, 13 Mar 2012 10:41:27 GMT

David Wright

Скачать: David Wright

Дэвид (David) родился 24 октября 1953 в г.Чатем (Chatham). Он рос в семье моряка и как следствие, большую часть своей юности провел за границей, в основном на Дальнем Востоке. Его раннее увлечение музыкой связано с Сингапуром (1967-70). Именно здесь он был ударником в группе, которая играла рок музыку. Это было настолько незабываемо, что Дэвид не запомнил даже название коллектива!

По возвращению в Англию в 1970 г., Дэвид делает карьеру в National Health Service. Он женился на своей первой жене Трисии (Tricia) в 1973 и они жили в Западном Суссексе (West Sussex) до ее преждевременной кончины от рака в 1988.

В течение этого времени, Дэвид интересуется музыкой как заинтересованный слушатель и композитор, пишущий музыку в свое удовольствие. Он очень любил классическую музыку и музыку 60-х годов, особенно Beach Boys и Beatles. Его интерес к инструментальной и электронной музыке проявился в 1971 году, когда он услышал композиции Pink Floyd: "Meddle" и "Atom Heart Mother". А вещь под названием "Echoes" так и осталась одной из любимых на всю жизнь. Затем он стал интересоваться Tangerine Dream и Klaus Schulze, и как следствие, Vangelis и Kitaro. Однако, все это произошло только после трагических перемен в его жизни в 1988 году, когда Дэвид полностью сосредоточился на написании музыки.

Дэвид очень большой поклонник научной фантастики, любит Star Trek и хорошие триллеры. Сейчас он живет в Западном Суссексе (West Sussex) со своей женой Эленой (Elaine) и сыном Стивеном (Steven).
Биография

Впервые Дэвид Райт (David Wright) привлек внимание публики в 1989 году, когда вышел его первый кассетный альбом "Reflections". Это привлекло также внимание Клауса Д. Меллера (Klaus D. Mueller), который долгое время был менеджером легенды "Берлинской школы" Клауса шульца (Klaus Schulze) и Мануэля Готчина (Manuel Gottsching), чья компания POEM Musikverlag выпускала работы Дэвида до 1994 года. Вот что сказал Меллер журналу Dreamsword об альбоме "Reflections": "Из всех работ, которые я получил, эта была первой и единственной, которая мне понравилась и продолжает нравиться". Затем последовали еще два кассетных релиза

"Romancing the Moon" и "Waiting For The Soundtrack" в 1990 и 1991 годах, которые также шумно приветствовали фанаты электронной музыки в Англии и других странах.

Такая поддержка оправдывала последний выпуск первого альбома на CD в 1991. Затем последовал альбом "Marilynmba" и очень успешный альбом "Between Realities" 1992-го года. В 1993 вышел релиз, который стал первым в серии тематических альбомов. "Ocean Watch" стал одним из самых популярных альбомов электронной музыки (ЭМ) 1993 года.

"Ocean Watch" включал в себя длинную, импрессионистскую композицию "Beyond the Airwaves", которая теперь считается классикой. Успех "Ocean Watch" заставил дистрибьютеров иметь дело с Select Music & Video distribution Ltd, из-за чего выросла популярность в Европе и США.

1994 год был полон событий. В начале года были снова выпущены три первых альбома. Вскоре после этого вышел седьмой альбом Дэвида "Moments In Time", жемчужиной которого была сюита "Spirit Of The Plains", которая очень эмоционально выражала события из истории коренных североамериканских индейцев, их культуру и простую красоту народов, которые жили в гармонии с природой.

Хотя в отдельные моменты времени непонятый как концептуальный альбом (который был далек от какой-то цели) и возможно, менее легкий для восприятия, чем предыдущие работы, "Moments In Time", несомненно, сделал переход от исследователя, который только экспериментирует к уверенному, устоявшемуся композитору, с большим ощущением идеи. Как работа, которая к тому времени вызвала большое удовлетворение, альбом имел большой коммерческий успех и музыка из него регулярно звучала в Лондонском Планетариуме.

Дэвид также нашел время, чтобы принять участие в записи альбома "Phase One" от Enterphase. Чуть позже, американский дуэт Jeff Filbert и Fred Becker образовали лэйбл AD Music label. Что повлекло за собой в будущем появление компании AD Music Ltd. Второй альбом "Albania - The Korce Project" также был выпущен в 1994 году. Этот проект был запланирован в помощь лишенным детям Албании. Однако, обстоятельства привели к его закрытию.

1994 год также был вестником первого крупного представления, в Guildhall Derby, когда Дэвид вместе с Робертом Фоксом (Robert Fox) провел потрясающее музыкальное шоу, которое было частью серии музыкальных работ BBC Radio Soundscapes. Дэвид появлялся в Дерби (Derby) и второй раз, с намерением восстановить уже распавшийся проект Korce Project. Его импровизированный цикл работ был назван "An oasis of beauty" и получил много шумных критических отзывов. Без сомнения, 1994 год был годом который твердо поставил Дэвида Райта посреди элитной Британской электронно - музыкальной сцены.

Albania (The Korce Project) появился не на долго, как выпущенная ограниченным тиражом кассета, в которой те счастливчики, которые приобрели ее, могли увидеть абсолютно отличный от "Moments In Time" альбом, с короткими и яркими композициями. Альбом также имел отличия от первой близкой по духу совместной работы с Робертом Фоксом "Meeting at Trevalyn".

Однако, наряду с успехом, неизбежное давление привело к проблемам, которые музыкально отразились и решили сами себя в 1995 году с выходом альбома "Dissimilar Views", который вобрал в себя лучшее из распавшегося Korce Project, а также еще несколько новых треков.

В 1995 году у Дэвида проходит очень много выступлений. Позже в течение года, еще один концерт в Дерби, это время, когда для того чтобы поддержать Бэкки Вильямс (Bekki Williams), которая заключила контракт с AD Music Ltd, и пригласить для выступлений в Лондонском Планетариуме Джона Серри (Jonn Serrie), Дэвид Райт выходит на первый план не только как композитор и музыкант, но и как организатор концертов. Вместе с гитаристом Ником Смитом (Nik Smith), они исполняют искусно переплетенные отрывки старых и новых композиций, которые получили колоссальный успех. К сожалению, не смотря на тяжелое расписание концертов, они вынуждены были вернутся по приглашению играть на фестивале (3rd EMMA Festival) в Шеффилде.

Также в течение 1995 года, Дэвид помогает своему другу и партнеру по бизнесу Дэвиду Мантрипу (David Mantripp) при формировании новой компании AD Music Limited Company и заключении контракта с Notting Hill Music Publishing Ltd. Он принимает участие и готовит к выпуску первый рилиз этой компании, "1995AD", который отличается участием в нем новых исполнителей. Выделяющимися в этом релизе, который вышел ограниченным тиражом, были две пьесы Дэвида сделанные вместе с Робертом Фоксом Overture и Finale. Дэвид также помогает Бэкки Вильямс (Bekki Williams) при записи мастер-диска ее альбома "Elysian Fields".

Несмотря на громадный объем работы, Дэвид продолжает работать над совместным альбомом с Робертом Фоксом "For Whom The Bell", который был начат еще в 1994 г. Фактически, не смотря на то что проект сохранил свое прежнее звучание, он выходил за рамки того, что делали до этого другие исполнители. Появление Вона Эванса (Vaughn Evans), гитара, и Ника Смита (Nik Smith), клавишные, не только дало музыку нового измерения, но и послужило к образованию коллектива Code Indigo.

Первые месяцы 1996 года также были тяжелыми для Дэвида, из-за активного участия на фестивале, посвященном официальному открытию компании AD Music Ltd label, это случилось 27-го апреля. Весь день фестиваля, который проходил под знаком Клауса Шульца (Klaus Schulze), смотрели концерт "For Whom the Bell" от Code Indigo. Это выступление утвердило Code Indigo как ведущую в Британской Электронной Музыке (UK EM) инструментальную группу и вынудило ведущего BBC Radio в Дэрби Эшли Франклина (Ashley Franklin) назвать ее "классической инструментальной рок группой планеты".

10-го и 11-го мая, Дэвид Райт с Ником Смитом возглавляют два 75-ти минутных концерта в Германии в Берлинском Планетариуме (Berlin Planetarium), в качестве гостей были приглашены Mario Schonwalder и Detlef Keller. Затем последовала серия выступлений в окрестностях Англии, которые способствовали продаже альбома "Live at The London Planetarium", который пользовался к тому времени большим успехом. Продолжались совместные выступления с Code Indigo, в октябре 1996 года было выступление в Соборе (Derby Cathedral) в Дэрби (Derby) , на котором Code Indigo демонстрировала композиции специально написанные Дэвидом Райтом и Робертом Фоксом, и которые стали пользоваться после этого большой популярностью.

В начале 1997 года происходит дальнейшее продвижение по административной линии в AD Music Limited, вместе с Code Indigo. Это время послужило приготовлением полного событий и пользующегося в последствии большим успехом концерта в Дисбурге (Duisburg) в Германии, на котором присутствовало около 1500 фанатов. Последующий за этим официальный бутлег концерта был выпущен в августе 1997 и назывался просто "Live at Duisburg". В течение этого времени Дэвид помогает Бэкки Вильямс с ее вторым альбомом "Shadow of the Wind" и в добавок, находит время для проведения нескольких сольных концертов, которые были представлены как серия "Hypnosis".

"Hypnosis" явно отличался от прежнего стиля Дэвида, но восторженные отклики показали, что слушатели совсем не разочарованы этим новым "направлением". Выпуск альбома был запланирован на 1997 год, но так получилось, что эти обязательства не были выполнены до 1998 года, когда Дэвид смог начать запись.

Тем временем, созрел еще один альбом "ThreeSixZero", выпущенный в 1998г. Бесспорно, к тому времени это была его наиболее отличная от всех и изысканная работа. В альбоме были сплетены современное звучание и "фирменное", использовались гитара, виолончель, мужской и женский вокалы, а также западные и восточные ритмы, что придавало по настоящему ошеломляющий эффект. Альбом также повлек за собой некоторые комментарии в прессе: "ThreeSixZero утвердил Дэвида Райта как композитора, а не только как музыканта играющего электронную музыку на переполненной сцене!"

В 1999 году выходит второй студийный альбом группы Code Indigo "Uforia", который был следствием концертов в Лондоне в сентябре. Концерты сопровождались специально приготовленным визуальным и видео оформлением.

В 2000 году Дэвид собрал и выпустил серию из четырех дисков под названием "Blue", которая включала в себя концертную запись 1997 года "Hypnosis", а также совместные работы с Робертом Фоксом.

Биография - Moya Brennan

-=V=- — Fri, 02 Mar 2012 15:33:49 GMT

Moya Brennan

Скачать: Moya Brennan

Россия ещё ни разу не видела этих людей вживую. Ни вместе, ни поодиночке, ни их музыкальных родственников, ни ближайших друзей. Не то чтобы это странно, прискорбно или торжественно печально. Обычный клуб таких не пригласит (а шо, а хто), фолк-клубу будет не по карману, олигархам подавай Джорджа Майкла, с народом нужно разъяснительную беседу проводить, под их музыку не поколбасишься, к живой аутентичной музыке мало кто приучен и так далее. Причин масса. Хотя уверен, если бы их попросили, кто-нибудь из этой большой компании (не все, это точно), наверняка согласился бы навестить землю русскую и без баснословных гонораров. Речь идёт о виртуозной и талантливой группе Clannad и множестве сольных и групповых проектов, в которых постоянно задействованы участники этого шикарного ирландского neo-folk-коллектива. Вместе Clannad уже давно не записываются, к сожалению, выступают только по своим большим причинам, и вряд ли это будет открытие какого-нибудь нового московского супер-пупер-мегамаркета. Но с гитаристами/мандолинистами Ноэлем и Пориком Дагган и вокалисткой Моей Бреннан Европа хорошо знакома не по памяти или понаслышке; они регулярно выступают от Ирландии до Германии и Скандинавии, как сольно, так и в составах друзей-фольклористов. Может быть, сделали бы крюк? Тут всего-ничего, а? Разбираем взлётные….

Moya Brennan (Maire Ni Bhraonain) – самая, что ни на есть folk-new age-celtic-мама. Это не о возрасте (что, кстати, имеет место быть), а про некое материнское тепло, мудрость и спокойствие, проступающее сквозь её собственные песни и её дивный, неземной голос, интерпретирующий седые ирландские народные напевы. К тому же она – убеждённая христианка, и последние десять лет её творчество наполнено умиротворёнными религиозными посланиями. Она родилась 4 августа 1952 года в городке Gweedore (графство Donegal, Ирландия) и была старшей из девяти детей. Родной ирландский (гэльский) язык в тех местах остался в живых, не говоря уже о всеобщей любви к национальным культурным ценностям и фольклорным древностям. Родители Моры – Leo и Maire (или Baba) сколотили большую и музыкальную семью (см. очерк Clannad) и уже в 70-м году приобщили подросшую девушку к семейному музыкальному коллективу, часто выступавшему на подмостках отцовской таверны. «Когда мы были детьми, от музыки просто некуда было деться, - мы всё время были ей окружены. Мама была учителем музыки, а папа всю жизнь шоуменил. Используя любую возможность, он запрыгивал на сцену и начинал петь и играть. Мы слушали разную музыку, не только традиционные гэльские песни, но и Beach Boys, Beatles, The Mamas and Papas. Интересовались поэзией и литературой, что вероятно помогло придать форму Clannad». Моя пела и танцевала в местном театре, а после окончания школы несколько лет жила в Дублине и училась игре на фортепьяно и арфе в Ирландской Музыкальной Академии. Потом продолжила обучение музыке в родных местах, в Holy Cross College (Donegal). После этого и наступает Clannad-период. .Этот коллектив, пройдя через начальный этап становления, различные конкурсы и местные выступления, за тридцать лет стал глыбой ирландского нео-фолка и номинантом/обладателем Grammy Awards, записал 17 больших альбомов, проданных тиражом более 15 миллионов штук. Стоит так же отметить тот факт, и эту историю любят повторять журналисты «в теме», что Clannad фактически вдохнули в гэльский язык вторую жизнь, смело интегрируя его в свои композиции. Певица рассказывала, что людям нравилась их музыка, но присутствие архаичного языка отнюдь не вызывало у них патриотических чувств, мол, через 10 лет вообще никто про него не вспомнит. Clannad сделали по-своему, и получилось как раз наоборот. На гэлике запела не только сестрёнка Мои, мега-успешная Enya, но и масса других ирландских и немецких фолк-музыкантов. В Clannad Моя полноценно выполняла функции вокалистки, играла на арфе, кое-что сочиняла, вобщем, на людях вела себя хорошо. В момент расцвета коллектива, в начале 80-х её характерный голос, тягучий, распевный, с бархатом, вдруг стал олицетворением (синонимом) кельтской музыки и определённым мерилом в категориии World/New Age. Группа и вокалистка в отдельности много сделали для модернизации старых ирландских песен; их иногда сравнивали с командой Sean O Riada, которая тоже привнесла непростой ирландский язык в поп-культуру.

Пофестивалили. Начало 70-х

В коллективной карьере Мои Бреннан бывало всякое. Во время фестивальной поездки в Европу в 1972 году 19-летняя девушка «залетела» от какого-то расторопного французского музыканта по имени Пьер. Он навешал ей лапши и затащил в постель, где, как певица написала в своей автобиографии, «её католические обещания и набожные обеты были забыты и потеряны навсегда». Пришлось делать аборт: для семьи Бреннан и религиозного окружения было в то время немыслимо иметь ребёнка вне брака. Певица с сожалением вспоминает о том времени, ссылаясь на собственную наивность («Он сам пришёл!»). На пике популярности Clannad в 80-х, в жизни Мои была и выпивка, и травка, и депрессии средней степени тяжести, и полнота, и непродолжительный официальный брак. Брак, в свою очередь, распался из-за постоянного отсутствия жены на месте и в трезвом виде, и сопровождался ещё одной неудачей с зачатием ребёнка. По воспоминаниям Мои, она попала в ловушку «рок-н-ролльного образа жизни»: «Я гастролировала по всему миру, у меня была слава, деньги, вечеринки. Я бухала и пробовала наркотики, вплоть до кокаина. Внешне у меня было всё, но внутренне я была жалкой. В отчаянии я взывала к Богу о мире и прощении. В итоге я вернулась к церкви и снова начала читать Библию». В самом начале 90-х Моя Бреннан обращается в христианство, при содействии второго мужа, фотографа-фрилансера Tim Jarvis. Они познакомились во время фотосессии Clannad для одного английского журнала, в период промо-кампании альбома “Sirius” (87); в процессе съёмок и последующего ужина между фотографом и красавицей Моей вспыхнула страсть, которая не прошла после вынужденного расставания. Певица до сих пор хранит первое письмо Тима, где он назвал её величайшей леди Ирландии. На живца ловим :)! Был и остаётся небезынтересным ещё одни момент: Тим – протестант, сын миссионера, Моя – католичка, что для Ирландии – ТЕМА. Так что разговоров и кривотолков хватало по этому поводу. Певица рассказала, что её родители и родственники с пониманием отнеслись к её чувствам, потому что они увидели, насколько сильно её изменила любовь. «Мы много говорили с Тимом о наших верах, и за три года свиданий многому друг у друга научились. Я не пыталась изменить Тима, он не пытался изменить меня». Джарвис, к тому же, стал соавтором и продюсером жены. В январе 1991 года они поженились, и до сих пор они и живут с двумя общими детьми счастливой христианской жизнью в Dun Laoghaire в Дублине. Ходят в дублинскую церковь St Mark Church и зажигают во время церковных концертов – она на арфе, он – на виолончели.

Максимум Clannad. 1982

Примерно в таком состоянии мы и получаем Maire Brennan (сама себя переименовала в 2003 в Moya Brennan, из-за постоянной путаницы в спеллинге) в 1992 году, когда общественность с энтузиазмом приняла первый сольный альбом вокалистки Clannad. Надо сказать, что Моя и раньше себе позволяла сольные выходы на публику, благо после хитового дуэта с Боно из U-2 в 1985 году “In a Liftime” такая возможность представлялась хорошо. Затем голос Бреннан можно было услышать на альбомах Paul Brady, An Emotional Fish, Runrig, Robert Plant – за всю карьеру всего порядка 40 различных проектов, дуэтов, отдельных синглов, компиляций, саундтреков и так далее. В 91 году она вместе с Paul Young перепела песню Joni Mitchell “Both Sides Now”. Композиция вошла в фильм Blake Edwards “Switch” с участием Ellen Barkin. На тот момент, Моя, снова беременная, вела работу над полноценным дебютным диском “Maire”, пока основной коллектив сделал паузу после интенсивного турне. Создание новых песен контролировал продюсерский дуэт Calum Malcolm и Donal Lunny в шотландской студии Castle Sound Studio. «Я хотела посмотреть, какие песни у меня выйдут, если я объединю все свои прошлые влияния. Я мало сочиняла для Clannad, и не думала, что смогу насочинять то, что в итоге получилось. Помимо известных в среде ирландского фолка продюсеров, Моя подтянула к записи бэк-вокалов трёх своих младших сестёр Dee, Olive и Bridin. «Когда мы росли, то вместе часто раскладывали на голоса мелодии и хоралы, и кто-то один пел поверх. Сестёр я обязательно хотела записать здесь, и у них получился великолепный саунд. Иногда это звучит как болгарские хоралы, а иногда как хор школьников. Если бы я задействовала профессиональных студийных певцов, то не получила бы такого вайба. Дочь Aisling появилась всего через пару недель после окончания записи “Maire”, и расстроганная певица решила запечатлеть её на обложке пластинки. Малышке так же посвящена колыбельная “Oro”. Удачными треками альбома можно смело назвать “Jealous Heart”, “No Easy Way” и jigga-tribal номер “All against the Wind”, вышедший отдельным синглом при поддержке эксклюзивной песни “She Moved Through the Fair”. Песня “Jealous Heart” тоже вышла отдельным диском, ещё с одной неизданной композицией, традиционной “Citi na gCumman”. «Соавтор “Jealous Heart” – известный в Ирландии песенник Chrisie Hennessy, говорит Моя. - Она уже выходила на одной местной пластинке, но я подумала, что будет здорово, если её услышат вне пределов страны, и записала. Это песня об эмиграции».

Отдохнув после родов, Бреннан снова окунулась в работу над очередным альбомом Clannad, собирая одновременно идеи для очередного сольного вторения. Он появилось в 94 году под названием “Misty Eyed Adventures” и не вызвало большого ажиотажа, поскольку в тот момент на слуху был выпущенный в 93 году и очень популярный альбом Clannad “Banba”, а трек “I Will Find You” ещё и попал в фильм “The Last of the Mohicans”. На этом фоне, видимо, не было необходимости дополнительно пиарить сольный диск Мои коммерческими синглами. В коллекциях фанатов только появились промки к песням “Yellow Taxi” и “Days of Dancing” (только в США). Но они того стоили, удачно отражая стремление певицы не походить на творчество Clannad (больше world music, кантри-мотивов). Пока это ограничивалось всего несколькими песнями, включая “Dream On”, между которыми в медленных кельтско-астральных композициях сливось воедино наследие Clannad (“An Fharraige”, “Misty Eyed Adventures”), настроения успевшей стать супер-популярной Enya (“A Place among the Stones”, “Pilgrims Way”) и пара мыслей из дебютного диска самой Мои (“Heroes”. “The Mighty One”). После выпуска сольника Бреннан надолго отвлеклась на концертную деятельность родного коллектива и участвовала в большом количестве разовых проектов, в том числе в записи песни для саундтреков фильмов Circle of Friends (95) и “Titanic” (97). Для последнего Моя специально перезаписала традиционную песню “Come Josephine, In My Flying Machine”, из самого раннего репертуара Clannad и своего отца. Потом певица серьёзно занялась изучением кельтского христианства и Кельтской церкви. Возвращение в лоно христианской церкви и крепнущая вера сподвигли Мою Бреннан переключиться целиком на христианские мотивы в творчестве. Начало этому было дано в 1998 году выходом альбома “Perfect Time”.

Биография - Jens Gad

-=V=- — Mon, 27 Feb 2012 12:53:31 GMT

Jens Gad

Скачать: Jens Gad

Братья Йенс (Jens Gad, 1966) и Тоби (Toby Gad, 1968) Гад родились в Мюнхене. С раннего детства ребята были увлечены музыкой, любовь к которой им привили родители. Отец Йенса и Тоби - Кристиан Гад (Christian Gad), датчанин по происхождению, профессионально играл на кларнете, хотя основной его работой было пилотирование самолётов. Их мать Габи (Gaby Gad), уроженка Германии, прекрасно играла на фортепьяно, но её настоящей профессией была психотерапия. Семейство образовало довольно успешный коллектив “The Jazz Kids”. Помимо занятий музыкой, молодые люди увлекались всевозможными техническими новинками и были на «ты» с любой аппаратурой (особенно с электронными музыкальными инструментами и синтезаторами). Видимо любовь к технике передалась им по наследству от деда, который был авиаконструктором и даже владел небольшой авиакомпанией.
В возрасте 7 лет браться организовали свою собственную группу “Gad Rollers”. Ребята отменно играли rock’‘n’‘roll и быстро получили известность. В результате они были замечены хит-продюсером Гюнтером Мэндэ (Gunther Mende). Мэндэ сделал их первые пробные записи. Однако родители новоиспечённых «звёзд» прервали студийный контракт, решив, что образование детей должно стоять на первом месте.
Но братья, окрылённые успехом, с упортсвом продолжали своё восхождение к заветной цели. «Gad Rollers» использовали любую возможность, чтобы показаться перед публикой. Они даже «вливались» в состав других коллективов, дабы лишний раз «засветиться». И хотя братья были слишком молоды (младшему Тоби было всего 13), чтобы выступать в модных ночных клубах, их уже очень хорошо знали в Мюнхене. Еженедельные выступления в барах, концерты OPEN AIR на летних фестивалях, а также в легендарных клубах с «живой» музыкой типа «Domicile», способствовали распространению молвы о подающих большие надежды музыкантах. Вскоре на них обратил внимание известный мюнхенский хит-продюсер Тони Монн (Tony Monn прославился работой с такими звёздами как Amanda Lear, Fancy, SARAGOSSA BAND и т.д.). Он позволил братьям пользоваться его современной студией, когда отсутствовал в городе. Таким образом молодые люди получили возможность дневать и ночевать в одом из лучших помещений для профессиональной звукозаписи. И они не тратили время зря, скурпулёзно готовя свой первый студийный материал. Конечно же одновременно они работали и для некоторых проектов Тони Монна, который предоставил братьям свою студию, конечно, не только из альтруистичеких целей.
В 1986, когда Фрэнк Фариан, самый успешный немецкий продюсер (NO MERCY, Boney М., MILLI VANILLI и т.д.) искал новые таланты, друг однажды дал послушать ему демо-запись «Gad Rollers». На следующий день парни уже летели во Франкфурт… Это стало началом их семилетнего сотрудничества с Фрэнком.
Неделю спустя они уже записали 3 песни для дебютного альбома MILLI VANILLI, который позже получил мультиплатиновый статус по всему миру. Фариан оценил большой творческий потенциал юных дарований и спродюсировал их первый студийный альбом. Проект был назван «Q» и опубликован компанией POLYDOR. Выпуск нового диска сопровождался концертным туром. Легенда фанк-музыки Джордж Клинтон (George Clinton) так полюбил записи Йенса и Тоби, что приехал на один из концертов и провёл целый день в толпе их поклонников, после чего Джордж пригласил братьев исполнить две песни на концерте его группы P-funk. В 1990 году Тоби познакомился с экзотической певицей, мавританкой Жаклин Неморин (Jacqueline Nemorin). Это стало началом их 10-летнего сотрудничества. Вместе с Фарианом Тоби продюсировал первый альбом Nemorin «Creole Dance», который вышел на BMG в 1994 году.
Получив за 7 лет работы с Фарианом великолепный опыт в производстве хитов и сколотив приличное состояние, братья пустились в самостоятельное плавание. Вместе с Жаклин Неморин, которая стала женой Тоби, они сделали её следующий сольный альбом на EMI, а также записали много произведений для кино и телевидения. После расставания с Жаклин, Тоби Гад перебрался в Нью-Йорк, где в настоящее время успешно сотрудничает со звёздами первой величины американской поп-музыки. Йенс Гад построил свой дом-студию неподалёку от виллы Фариана на острове Ибица, который является «Меккой» музыкальных тусовщиков со всего мира. Сейчас он активно сотрудничает с другим бывшим протеже Фариана - Микаэлем Крету (Michael Cretu - создатель проекта ENIGMA), а также продюсирует новые альбомы жены Микаэля - Сандры Лауэр (Sandra - бывшая лидер-вокалистка группы ARABESQUE).

Биография - A-Ha

-=V=- — Mon, 20 Feb 2012 21:22:39 GMT

A-Ha

Скачать: A-Ha

Норвежская группа A-Ha — один из ведущих коллективов стиля электро-поп, появившегося на излете «новой волны». Музыке A-Ha присущи графичный, несколько холодноватый («скандинавский») синтезаторно-гитарный саунд, выразительная балладная мелодика вкупе с ненавязчивой танцевальностью, романтичное, исполненное (порой) лёгкой грусти настроение. Для многих песни A-Ha являются ностальгическим символом юности и нежных отношений.
В 1976 году юные жители Осло Пол Воктор (Pal Waaktaar; гитара, вокал, ударные) и Магне Фурухолмен (Magne Furuholmen; клавиши, гитара, вокал) решили собрать группу, назвав её Bridges. К ним присоединились Вигго Бонди (Viggo Bondi) и Квестин Йеванорд (Qystein Jevanord). Когда на их пути впервые встретился будущий лидер-вокалист A-Ha Мортен Харкет (Morten Harket), он был всего лишь одним из посетителей концерта Bridges.

В 1980 году у группы вышел альбом «Fakkeltog», который, увы, успеха не имел. В 1982 году Пол и Магне вдвоем отправились в Лондон, дабы продолжить свою музыкальную карьеру. Мортену тоже предложили присоединиться, но он решил остаться дома. И правильно: пробыв в столице Туманного Альбиона восемь месяцев, Пол и Магне, разочарованные, вернулись на родину.

В начале 1983 года парочка друзей вновь предложила Мортену присоединиться к ним в качестве вокалиста, и тот, наконец, согласился. Дома у родителей Пола молодые люди записали несколько демо. Придумано было и новое, краткое, лёгкое и запоминающееся имя для группы — A-Ha. Представив свои записи на отделение лэйбла Warner в конце 1983 года, группа добилась контракта — менеджеры сразу же заподозрили в A-Ha большой потенциал. И они, как выяснилось, не прогадали. Сингл «Take on Me», в полной красе продемонстрировавший лирическую силу чистого, как небо, вокала Харкета, трижды занимал ведущие позиции в английских чартах, оставаясь № 2 и в 1985 году.
Другим большим хитом стала песня «The Sun Always Shines on TV».

Дебютный альбом A-Ha «Hunting High And Low» (1985) прочно оккупировал Top 10 и получил премию «Spellemannsprisen» (норвежский аналог Grammy). В записи этого и последующих альбомов A-Ha помогали приглашённые музыканты. Популярности группы очень способствовали клипы (A-Ha сразу же заинтересовалось MTV), полные интересных визуальных находок. В 1986 году песня «The Sun Always Shines on TV» стала хитом № 1 в Англии. Группа была номинирована на премию Grammy в нескольких номинациях и выиграла в категории «Лучшее видео», а в категории «Лучший новый артист» уступила место певице Шадэ. В том же году A-Ha отправились в свой первый мировой тур. А затем, не теряя времени даром, музыканты представили на суд публики свой второй альбом «Scoundrel Days», который вновь был принят очень горячо. Наибольшей известности добились такие композиции, как «Swing Of Things» и «I’ve Been Losing You». В 1987 году Полу Воктору предложили сочинить тему для очередного фильма о Джеймсе Бонде. Так на свет появилась «The Living Daylights» (справедливости ради надо сказать, что это не самая известная песня из всей «бондианы»), ремикс на которую вошёл в третий альбом группы, «Stay On The Roads» (1988).

Успех этого диска превзошел достижения предыдущих: целых пять песен из десяти попали в Top 20. Тем не менее, некоторые слушатели начали замечать, что порою A-Ha цитируют сами себя. В том же 87 году Мортен попробовался в роли киноактёра: он снялся в небольшой роли и спел заглавную песню в фильме «Kamilla og tyven», который был показан в норвежских кинотеатрах. В 1989 году Магне решил обнародовать ещё один свой талант — художника. Он выставил свои картины в галерее города Ставангера (Норвегия) и получил хорошие отзывы критики. В 1990 году свет увидел четвёртый альбом группы — «East Of The Sun, West Of The Moon», который многие поклонники считают лучшим произведением A-Ha, хотя на волне новых веяний (хаус, мэдчестер и т. д.) он показался несколько «немодным». На пластинке особенно выделялась первая композиция — кавер-версия прославленной песни из репертуара Everly Brothers «Сrying In The Rain». Сами музыканты почувствовали необходимость взять тайм-аут и отложили на несколько месяцев гастрольный тур, который в итоге стал самым успешным туром в истории группы (особый успех пришёлся на Южную Америку, где на 20 их концертов пришло более 1 000 000 зрителей).

В 1991 году группа издала сборник хитов «Headlines and Deadlines», а также усиленно гастролировала, в том числе посетив Бразилию и выступив на фестивале «Rock In Rio» (по материалам тура был выпущен видео-сборник «Live In South America»). Пол Воктор женился на Лорин Савой и присоединил к своей фамилии фамилию жены. В 1992 году группа вновь побывала в Бразилии. В 1993 году команда выпустила свой четвёртый альбом — «Memorial Beach», единственной известной вещью из которого стала «Move To Memphis». Диск коммерческого успеха не имел — одни сочли его слишком мрачным, другие — чересчур авангардистским, третьи — откровенно слабым. При этом английский журнал Q назвал Пола Воктора одним из наиболее выдающихся песенных композиторов в современной музыке. Мортен Харкет начал работать над собственным проектом «Poetenes Evangelium». Выпуск сингла «Shapes That Go Together» (1994) поставил точку на определённом этапе творчества группы. A-Ha отыграли на фестивале «Белые ночи» в Петербурге, а затем Пол, Мортен и Магне занялись собственными делами. Магне стал уделять основное внимание живописи и скульптуре, устраивая выставки в престижных музеях; кроме того, под именем Timbresound он в 1994 году со своим другом Кьетилом Беркестрандом записал инструментальный саундтрек-альбом к фильму «Ten Knives In The Heart» (в последующие годы проект издал ещё два альбома).

Мортен Харкет в 1995 году записал второй сольный альбом «Wild Sees» (стал номером 1 в Норвегии), за которым последовал «Vogts Villa». Кроме того, Харкет очень удачно продвинулся по бизнес-линии. А Пол и Лорин сформировали собственную группу, назвав её Savoy.
В 1998 году A-Ha вновь собираются вместе… Они приглашены принять участие в концерте-чествовании нобелевских лауреатов, который стали проводиться с 1994 года. A-Ha сыграли две вещи: «The Sun Always Shines on T. V. » и «Summer Moved On», а затем вернулись в студию. Результатом всего стал их новый альбом «Minor Earth Major Sky», вышедший в 2000 году. Альбом становится платиновым и целых четыре песни занимают место № 1 в чартах: «Minor Earth Major Sky», «Velvet», «The Sun Never Shone That Day» и «Summer Moved On». Хотя на долю группы досталось и критики, за клип «Velvet», в котором усмотрели потакание некрофилии. В 2001 году A-Ha вновь выступают на нобелевском концерте, где исполняют «Differences» и «Hunting High and Low». В следующем году выходит новый альбом «Lifelines» и сразу становится платиновым в Норвегии. Два сингла попадают в топ-5 — «Forever Not Yours» и «Lifelines». Концертный альбом с их тура 2002 года, названный «How Can I Sleep With Your Voice In My Head», был выпущен в марте 2003. В 2004 выходит книга «The Swing Of Things», вместе с которой также шёл компакт-диск с ранними демонстрационными (демо) записями. В том же году A-Ha отмечает двадцатилетие группы и выпускает новый сборник всех хитов «The Definitive Singles Collection 1984–2004». Эта компиляция возвращает их в топ-20 лучших альбомов Великобритании. Альбом занимает тринадцатое место и получает статус «золотого». 2 июля 2005 A-Ha выступает в Берлине, на концерте Live 8 перед аудиторией почти 200 000 человек. Своё выступление они открыли песней «Hunting High and Low», далее последовала «Take on Me». Однако у Мортена появились некоторые затруднения, так как он не слышал сам себя и был вынужден попросить двухминутный перерыв, в течение которого прокомментировал причину появления на Live 8. Намеченные две минуты стали почти семью, и третья песня, «Summer Moved On», стала последней, хотя планировалось исполнение четырёх песен, однако время на выступление группы закончилось и организаторы попросили их покинуть сцену. 12 сентября 2005 A-Ha дали концерт на Ирвин Плаза (англ. Irving Plaza) в Нью-Йорке, билеты на который были распроданы мгновенно. Это был первый концерт группы в Северной Америке с 1986 года. С 1993 года в Северной Америке не вышло ни одного релиза группы. 27 августа 2005 года группа играла концерт для 120 000 человек в парке Frogner (англ. Frogner Park) в Осло, он стал самым посещаемым концертом, когда-либо данным в Норвегии. 4 ноября 2005 года группа выпустила свой восьмой студийный альбом «Analogue». Британский выпуск сингла «Analogue (All I Want)» принёс A-Ha попадание в топ-10 хитов в Великобритании впервые после 1988 года. В записи альбома принимал участие Грэм Нэш (англ. Graham Nash), из Crosby Stills & Nash. Как бэк-вокалист он участвовал в записи песен «Over the treetops» и «Cosy Prisons». Видео для песни «Celice» вызвало критические высказывания за своё сексуальное содержание. В 2006 году A-Ha записывает кавер-версию песни Джона Леннона «#9 Dreams», для организации Amnesty International (Международная амнистия). Она вошла в альбом «Make Some Noise», который был выпущен в июне 2007. 30 октября 2006 в Лондоне A-Ha получили престижную премию журнала Q за их большой вклад в музыку и за вдохновение, которое они давали многим молодым начинающим музыкантам. 15 сентября 2007 A-Ha сыграли бесплатный концерт в Киле, Германия. Группа играла на плавающей сцене в гавани. Трансляция этого концерта вживую передавалась в Интернете через MSN. 24 января 2009 года A-Ha выиграли норвежскую премию «Spelleman award» за хит всех времён в честь 50-й годовщины выхода первого официального хит-парада в Норвегии. Они победили с песней «Take on Me». 20, 21 и 22 мая 2008 года Мортен Харкет, Магне Фурухольмен и Пол Воктор-Савой дали концерты в Осло, Норвегия. Они исполняли «Train of Thought», «Take on Me», а также две совершенно новые песни — «Riding the Crest» и «Shadowside», которые анонсировали новый альбом, «Foot of the Mountain». 24 апреля 2009 года A-Ha приятно удивили своих поклонников, выпустив новый сингл «Foot of the Mountain», премьера которого на норвежском радио состоялась в тот же день. Сам сингл был закончен только предшествующей ночью. Основой песни послужила композиция Магне Фурухольмена «The Longest Night», которую можно услышать на его сольном альбоме «A Dot of Black In The Blue Of Your Bliss». 22 мая сингл был выпущен в Германии. Группа представила его, исполнив 21 мая во время финала конкурса «Germanie’s Next Topmodel» на арене «Lanxess» в Кёльне. 12 июня 2009 года вышел девятый студийный альбом группы «Foot of the Mountain». Материал альбома отметил возвращение к популярному стилю synthpop, подобно ранним работам группы, хотя первый сингл (и заглавная песня) совершенно не показателен в этом отношении. При создании альбома группа сотрудничала с таким успешным продюсером, как Стив Осборн, который продюсировал альбомы для таких исполнителей как New Order, Starsailor, Doves, Elbow, и U2. «What There Is», более ранний сингл Магне, был заново записан для этого альбома. «Foot of the Mountain» ворвался в немецкий чарт альбомов сразу на первое место, в британском чарте он стал пятым и дебютировал в европейском чарте лучших продаваемых альбомов по версии Billboard на восьмом месте. 1 октября 2009 года было официально объявлено о планируемом распаде группы по окончании гастрольного турне «Ending on a high note» («Прощание на высокой ноте») в декабре 2010 года 1, 2, 3 числа. [1][2] 14 июня 2010 года группа представила прощальный сингл Butterfly, butterfly (the last hurrah), который войдет в альбом "25" (компилляция лучших песен). Релиз "25" намечен на 19 июля. Песня Butterfly, butterfly (the last hurrah) была написана Полом Воктором-Савоем и спродюсирована Мартином Терефе..

МУЗЫКА-ЭТО ЖИЗНЬ

Янина — Mon, 16 Jan 2012 19:21:44 GMT

«МУЗЫКА-ЭТО ЖИЗНЬ»
Музыка-это жизнь, и этим всё сказано! У каждого человека есть своя история, в которой собраны все моменты его жизни! Это-детская радость, счастье семи небес, это крики восторга и беспомощности, плачи сердца и души, удивление неожиданному, и разочарование в ожидаемом. У каждого человека, свои взгляды на жизнь, свой и бальзам на сердце. Но, я знаю один единственный и не заменимый бальзам для всех, и для каждого. Прекрасное открытие замечательных творцов, собрание всех красок мира в единое целое. Чудо, которое может пронзить до глубины души, заставить сердце плакать, залечит раны, и поможет жить! МУЗЫКА, и только музыка, одно прикосновение к этому искусству, заставит смотреть на мир другими глазами, прочувствовать каждую частичку жизни. В этой «стихии» сливаются судьбы многих людей, игра разных жизней и всё то, что знакомо каждому: Радость и слёзы, потеря и разочарование, счастье и горе, жизнь и смерть, разлука и встреча, игривость и обида, сдержанность и срывы, можно перечислять до бесконечности моменты нашей жизни, всё это в себе несёт Музыка. Это: казалось бы, маленькое слово из шести букв, содержит в себе весь Мир! Если бы не было Музыки, я думаю, всё было: по-другому… Жизнь казалась бы нам скучной, и не интересной. Волей не, волей вибрации музыки заставляют тело ловить потрясающий ритм, и ты хочешь нестись как ураган по волнам зажигательной песни, или ранимая мелодия просто манит душу запеть, затянуть знакомые ноты и перейти на минорный вокал. Музыка, способна излечить самую больную и потерянную душу, склеить чьё-то с криком разбитое сердце, может подтолкнуть на великие подвиги закрытого в себе человека, или растрогать до слёз железного со стальным характером и оловянным сердцем человека… Она прекрасна как и всё что окружает нас, и всё что, содержит в себе хоть какие-то, мимолётные нотки например: звон капели и трели соловья, журчание ручья и порывы ветра, игра лучей и шорохи листьев. Музыка, среди нас, в каждой частички нашей жизни, чтобы услышать, нужно просто прислушаться. Ах какая загадочная мелодия вырисовывается… и всё же прекрасно? Не правда ли? Я ДЛЯ СЕБЯ ПРИДУМАЛА ТАКОЙ АФОРИЗМ, ЧТО МУЗЫКА-ЭТО НАША ЖИЗНЬ! И С ЭТИМ ДЕВИЗОМ МЫ ИДЁМ КАЖДЫЙ СВОЕЙ ДОРОГОЙ, И У КАЖДОГО СВОЯ СУДЬБА, ДАВАЙТЕ ЦЕНИТЬ ТО, ЧТО ДАНО НАМ С ВЫШЕ, И ВСЯ ЖИЗНЬ БУДЕТ ЛИТЬСЯ ТОЛЬКО В МАЖОРНОЙ ГАММЕ, ОТКРЫВАЯ КАЖДОЕ ЗАКРЫТОЕ ОТ ВСЕГО МИРА СЕРДЦЕ, ДРАГОЦЕННЫМ СКРИПИЧНЫМ КЛЮЧОМ!!!!

Биография - Gandalf

-=V=- — Wed, 28 Dec 2011 09:14:36 GMT

Gandalf

Скачать: Gandalf

Есть несколько коллективов с таким названием.

1/ Группа GANDALF, именуемая до выхода лонгплея RAHGOOS, выступала в различных клубах Нью-Йорка 60-х гг., таких как «The Phone Booth», Scott Muni’s «Rolling Stone», «The Electric Circus», Murray the K’s «World» и легендарном «Night Owl Cafe» в Гринвич Вилидж (Greenwich Village). Авторами песен RAHGOOS были Гарри Боннер (Garry Bonner) и Алан Гордон (Alan Gordon), который способствовал привлечению к группе внимания рекорд-продюсеров «Коппельман и Рубин» (Koppelman & Rubin). K&R подписали с группой контракт и немедленно начали работу над альбомом для своего вновь созданного лейбла «Hot Biscuit Disc Company», приписанного к Capitol. Они предлагали различные изменения названия, но ни один вариант не устраивал группу, однако, в конце-концов ребята решились на замену, в надежде получить признание публики и, конечно, умиротворить K&R. Во время перерывов на выступлениях в » Rolling Stone» барабанщик Дэви Бауэр (Davey Bauer) проводил время, перечитывая толкиеновского «Хоббита», тогда как остальные участники команды занимались «мозговым штурмом» в поисках нового названия. Тогда-то он и ввернул словечко, дескать, выглядим как «Гэндальф и волшебники» («GANDALF AND THE WIZARDS»). Это название приклеилось. Реализация проекта задерживалась, соглашение с Capitol плавно сходило «на нет», а тем временем группа теряла всякие надежды и затухала. Но вскоре K&R и Capitol пришли к соглашению, что два лонгплея должны быть выпущены на лейбле Capitol и альбом GANDALF должен стать одним из них. Наконец, в начале 1969 года выпуск состоялся, но без всякого содействия группе в продвижении, по причине чего не имел заметного успеха. Две песни на альбоме были сочинены гитаристом Петером Сандо (Peter Sando) и одна из них - «Can You Travel in the Dark Alone» (Может ли вы путешествовать в темноте», имела приличный успех на радио. Позже Эллисон Стил (Allison Steele, «The Nightbird») использовал на WNEW-EM Нью-Йорка эту песню, благодаря ее неподражаемой психоделической поэзии.

Альбом несколько раз переиздавался на виниле нелегально и, наконец, законно, по лицензии, был переиздан на CD в Великобритании лейблом See For Miles в 1997 году, а в 2002 году и в США на Sundazed. Сингл «Golden Earrings» (Золотые Серьги) также появлялся на компилированном диске «Psychedelic Frequencies», выпущенном британской Temple Records (TMPCD027). А вещь «Hang On To A Dream» включалась в «Hippy Dip», выпущенном на EMI (CDEM 1623).

Замечательный диск - настоящий психоделический рок. Ненавязчивый «хаммонд». Очень красивые мелодии и нет психоделической смури, что приятно удивляет (видимо ребята не употребляли «кислоту»). Все это квартет из Америки образца конца 60-х.

Две авторских вещи гитариста Питера Сандо (Peter Sando), остальное каверы.

2/ Gandalf - псевдоним австрийского композитора и исполнителя-мультиинструменталиста Хайнца Штробла.

В семидесятых годах Гэндальф в качестве гитариста играл в нескольких прог-рок командах. Никакого специального музыкального образования у него не было, и гитару и клавишные он осваивал самостоятельно.

Первый собственный альбом был выпущен в 1980 году. Как правило, Гэндальф исполняет партии всех инструментов сам и сам же делает сведение записи.

Личное впечатление - не зря австриец выбрал себе именно этот псевдоним, потому что его работы - поистине, нечто волшебное. Как и David Arkenstone, Gandalf способен нарисовать при помощи своей музыки потрясающие по своей четкости и красоте пейзажи. Иногда его так и называют - Painter of musical landscapes.

Официальный сайт исполнителя: www.gandalf.at